C’è un ponte che da cinque anni unisce idealmente piazza Duomo a Nola con Salisburgo, capitale mondiale di Mozart. Un ponte fatto non di pietre, ma di note, di giovani archi e di pianoforti. Si chiama “Gli infiniti mondi di Mozart, dalle diversità alla pace” e venerdì 23 e sabato 24 ottobre 2026, alle 18.30 nel Duomo di Nola, torna con la sua quinta edizione. A dimostrazione che il gran talento di Mozart si esprime ogni giorno, attraverso le mani di altri, il programma è arricchito da musicisti di ogni età e provenienza. L’iniziativa è valorizzazione di ciò che Mozart ci ha lasciato: un metodo fatto di immediatezza, libertà, creatività profonda. Mozart è lingua comune che a Nola farà suonare le differenze insieme.

Un appuntamento nato nel 2022 da un’idea della Fondazione Aristide La Rocca ETS e dell’Associazione Aldo Ciccolini, che ha portato in Campania una delle collaborazioni più prestigiose d’Europa: quella con il Mozarteum di Salisburgo. A far da collante musicale, come sempre, la Nola Symphony Orchestra “Aldo Ciccolini”.

La quinta edizione si annuncia dunque memorabile. Venerdì 23 sul podio salirà il M° Massimo Testa, neo Direttore del Conservatorio Cimarosa di Avellino, con tre enfant prodige del Leopold Mozart Institute: il flautista austriaco Alexander Umundum (Telemann e Vivaldi), la violinista svedese-norvegese Hansine Pellböck (Mozart K.219) e il pianista Freddy Wu (Mendelssohn). Sabato 24, invece, dirige il M° Stefano Sovrani: protagonista la pianista coreana Ji-Hye Jung con il Concerto K.491 di Mozart e, in prima assoluta mondiale, il violoncellista Andrea Noferini, direttore artistico del festival, con “Norge”, opera di Don Domenico De Risi per il centenario della trasvolata del dirigibile di Umberto Nobile.

Abbiamo incontrato il Maestro Noferini per farci raccontare il senso profondo di questa due giorni.

INTERVISTA AD ANDREA NOFERINI

–“Dalle diversità alla pace”. Maestro, cosa significa questo titolo oggi?
«Oggi più che mai, la pace non è la semplice assenza di conflitto, ma la capacità di fare armonia partendo dalle differenze. Nella musica, note e strumenti diversi non si annullano, ma convivono per creare bellezza. Il nostro titolo vuole ricordare che la diversità culturale, generazionale e di linguaggi non è un ostacolo, ma la condizione indispensabile per costruire un dialogo di pace autentico.»

-Perché Mozart parla ancora ai giovani nel 2026?
«Perché Mozart incarna l’energia primaria, la libertà espressiva e la contemporaneità. La sua musica possiede una freschezza diretta che supera le barriere del tempo: parlano ai giovani di oggi perché parla il loro stesso linguaggio di passione, genio e immediatezza emotiva, senza filtri o sovrastrutture.»

-Cosa può trovare un pubblico che magari non ascolta musica classica abitualmente, in questa iniziativa?
«Troverà un’esperienza viva, inclusiva e calda, ben lontana dall’idea rigida o elitaria che spesso si ha della musica classica. Vedere giovani ed eccezionali talenti sul palco abbatte le distanze: il pubblico scopre un’emozione pura, la forza del fare musica insieme e la bellezza di lasciarsi trasportare dall’armonia in un luogo suggestivo come il Duomo.»

–Lavorare con musicisti così giovani, under 15, giovanissimi talenti, quali opportunità dà al territorio?
«I giovani talenti portano una carica di futuro e speranza. Offrire loro un palcoscenico importante significa dimostrare che Nola è una città capace di valorizzare il merito, di investire sulla crescita culturale e di diventare un polo d’eccellenza e di attrazione internazionale. Per il territorio è un’iniezione di fiducia e un modello positivo per tutte le nuove generazioni.»

-Cosa si porta a casa Salisburgo da Nola e cosa si porta a casa Nola da Salisburgo?
«Salisburgo porta con sé la caldezza dell’accoglienza mediterranea, la ricchezza della nostra storia e la passione profonda con cui il nostro territorio abbraccia la cultura. Nola porta a casa un modello di rigore, tradizione e proiezione internazionale, consolidando un ponte culturale solido e prestigioso con una delle capitali mondiali della musica.»

–Dopo cinque edizioni, qual è il sogno per la prossima?
«Il sogno è continuare ad ampliare i confini di questo ponte, coinvolgendo un numero sempre maggiore di giovani e scuole del territorio, magari trasformando questa collaborazione in una vera e propria accademia/residenza musicale stabile che possa vivere durante tutto l’anno.»

–C’è una cosa che vorrebbe che il pubblico ricordasse uscendo dal Duomo?
«Vorrei che ogni spettatore uscisse dal Duomo con la consapevolezza e la sensazione viva che la bellezza e la musica unite insieme hanno il potere concreto di unire le persone, curare le divisioni e farci sentire parte di un’unica grande comunità umana.»

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La luce della persona: autenticità come linguaggio
Angelina entra in scena e non finge. Sorriso, sì. Ma anche stanchezza, sudore, verità.
Niente distanza da star. Si presenta come “piccola vita” in una “camera interiore” tra piante e strumenti.

In un’epoca di filtri e reel perfetti, Angelina ribalta tutto. Dice: “Quello che porto sul palco è tutto il mio malessere e le mie insicurezze”.
E i teenager, quelli che sui social vivono di facciata, le rispondono in lacrime. Perché per la prima volta qualcuno sul palco non vende sicurezza. Condivide fragilità. Risultato? Identificazione immediata. Non è la figlia di. È una di loro, solo con un microfono in più.

La luce del canto
Musicalmente Angelina ha fatto una cosa semplice e rivoluzionaria: ha rotto il recinto del pop italiano. Lo dimostrano tutti i suoi testi.

– Radici: “Che t’o dico a fa” è napoletano sanguigno. Dialetto, ironia, ritmo che scuote come un’onda. Riporta la canzone d’autore regionale dentro le classifiche.
– Corpo: “Ci pensiamo domani” è pop-soul con groove internazionale. Leggero, ma con basso che lavora. È il brano che ti resta addosso “come il sole sulla pelle”.
– Testa: “La noia” è il manifesto. Ritmi latini, testo surreale, ritornello-freccia. Non è ballad da pianto. È festa con ansia dentro. È pop intelligente che balla.

L’artista nei live è più vera. Pienamente pop con l’anima romantica. E il suo canto fa da ponte con le varie realtà popolari, musicali. Propone un suono meticcio che parla ai giovani senza infantilizzarli. Parla di amore, perdita, rinascita, senza diventare melensa. Ci mette immagini da diario scritto di notte.

Il Belvedere come cassa di risonanza
Far arrivare Angelina sul palco del Belvedere è stata una scelta perfetta. Da un lato c’era la perfezione settecentesca della Reggia. Dall’altro la sua energia vulcanica che ha travolto tutto. Ai giovani la cantautrice ha dato il permesso di essere “piccoli”. Di avere malessere e trasformarlo in coro. Ha insegnato che la vulnerabilità non è debolezza. È potere. Al pop italiano ha dimostrato che puoi fare hit senza svuotarti. Puoi portare dialetto in radio, soul in tv, e fragilità su un palco. E funzionare. Angelina Mango non sta solo facendo canzoni. Sta educando una generazione ad ascoltare con le orecchie e con il petto. Per questo, ha portato luce al Belvedere. E se la porta dietro anche fuori. Perché di artisti che sanno essere albero e vento insieme, oggi ce ne sono pochi.

La giovane cantautrice sta riscrivendo la grammatica del pop, puntando sulla connessione generazionale con un suono identitario. E il pubblico accorso numeroso a Caserta dimostra di averne percepito la forza. Angelina ha regalato a Caserta una serata esplosiva di canto che davvero fa dire: “Ci pensiamo domani…ora conta la musica”.

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Ci sono giorni in cui le parole non servono. Bastano un tavolo, una penna, un sorriso. E un contratto firmato. Dal 17 luglio quel momento ha il volto di Christian Colizzi. 22 anni, occhi lucidi e la mano che trema appena mentre mette la firma sul suo primo contratto di lavoro. Il posto? Il Caffè Internet del Centro Commerciale Le Aquile di Sant’Anastasia. Il sogno? Quello che ogni ragazzo ha: entrare nel mondo del lavoro, sentirsi utile, costruirsi un domani con le proprie forze.

Per Christian non è “un contratto qualsiasi”. È il punto di arrivo di un percorso lungo, fatto di laboratori, di cadute, di rialzi, di persone che hanno creduto in lui.

Un traguardo che sa di famiglia

Con Christian c’erano tutti. Il papà, orgoglioso e commosso, seduto accanto a lui. Il datore di lavoro, Vincenzo Monaci, che ha deciso di puntare su una persona prima ancora che su un curriculum. E in prima fila le istituzioni: il Sindaco di Sant’Anastasia Mariano Caserta, i consiglieri Santolo Incarnato e Marco Castaldo. Tutti lì per dire la stessa cosa: l’inclusione non è uno slogan da manifesto. Si fa così.

Perché con questa firma il Centro ISO Riabilitativo per l’Età Evolutiva – struttura socio-sanitaria accreditata nel SSR – taglia un traguardo importante: cinque ragazzi con disabilità inseriti nel mondo del lavoro. Cinque. Non numeri su un report. Cinque storie, cinque famiglie, cinque vite che cambiano grazie ai laboratori inclusivi sociali per il “Dopo di Noi”.

“Non lavoriamo per gli applausi”

A dirlo è il Direttore Generale del Centro ISO, dott. Domenico Manna, con la voce ferma. Accanto a lui la Responsabile Tecnico Sanitaria, dott.ssa Afrodite Esposito. “Ogni firma è una vittoria dell’inclusione, della professionalità e della speranza. Non lavoriamo per raccogliere applausi, ma per costruire opportunità reali. Il nostro obiettivo è trasformare i percorsi riabilitativi in progetti di vita, offrendo ai ragazzi con disabilità e autismo la possibilità di diventare protagonisti del proprio futuro.”

E Christian, nel momento in cui ha firmato, ha fatto esattamente questo: è diventato protagonista. Ha sorriso. Ha guardato suo padre. Ha stretto la mano a Vincenzo. In quel gesto c’era tutta l’autonomia che si stava conquistando, tutta la responsabilità che da oggi si prende, tutta la fiducia in un futuro che fino a ieri sembrava più lontano.

Per la sua famiglia è un nuovo inizio. La firma non è carta. È la dimostrazione che si può. Che la dignità, l’autonomia, l’integrazione non sono parole vuote. Sono turni al bar, sono scontrini da fare, sono colleghi con cui ridere.

Fatti, non parole

Al Centro ISO si lavora rimboccandosi le maniche. In silenzio. Con competenza e con il cuore. Non interessano i giudizi. Interessano i risultati. Cinque contratti firmati. Cinque giovani che oggi hanno un lavoro. Cinque famiglie che stasera dormiranno con un po’ più di serenità. Perché l’inclusione vera non si racconta. Si firma. E Sant’Anastasia, ha la firma di Christian.

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Un’estate da BelvedeRe si accende tra campane, fuoco e amore. Dopo l’esordio del 17 con Notre Dame de Paris, stasera l’ultimo canto dell’operetta ideata da Riccardo Cocciante.

La Reggia di Caserta, nel pieno dell’estate di luglio, si è trasformata in Parigi, con pietra bagnata di pioggia, tetti che fumano, una cattedrale sospesa tra il cielo e la terra.
Per due notti, il 17 e il 18 luglio, Notre Dame de Paris ha preso casa a Caserta. E stasera, con l’ultima replica, il sipario calerà per l’ultima volta su questo palcoscenico di marmo e di sogni. Tutto esaurito. Un boato che ha fatto tremare i viali della Reggia Vanvitelliana.

Cocciante: il poeta che è sceso tra noi
Nello spettacolo di esordio del 17 luglio, è successo l’imprevedibile. La sorpresa. Riccardo Cocciante è apparso. Non dietro le quinte. Sul palco. L’abbiamo incontrato poco prima e l’emozione è stata grande: un uomo che parla con gli occhi, che sente la musica perfino nel silenzio, che la canta sottovoce mentre cammina. Un artigiano dell’anima.

E sul palco, con la voce rotta e gli occhi lucidi, ha parlato a Caserta come si parla a un amico. “Ho sentito il bisogno di esserci. Di dirvi che oggi abbiamo una fame disperata di pace e di amore. Questa storia nasce da lì. Da chi è diverso, da chi ama e viene bruciato, da chi ha il potere e ne ha paura”.

Cocciante con Notre Dame de Paris ha dato vita e sogni a melodie nate “nel cassetto”, più di vent’anni fa, che non lo lasciavano dormire. Oggi quelle stesse note lo portano in viaggio: non solo con Notre Dame, ma con 20 date di concerto consecutive, una dopo l’altra, come un pellegrinaggio. Dopo l’esordio, anche nella serata del 18 luglio, l’operetta ferisce il pubblico con la sua bellezza.

Notre Dame de Paris è un affresco vivente, grazie a un cast che dipinge l’anima, che dà luce. E soprattutto che è Parigi nata ogni sera su un palcoscenico diverso.

Giò Di Tonno è Quasimodo. Non lo recita. Lo abita. Gobbo e regale, fragile e immenso. Quando intona “L’ora” il tempo si ferma. Il Belvedere trattiene il fiato. È il grido di tutti gli esclusi, e ci entra dentro come una lama.

Elhaida Dani è Esmeralda: fuoco e seta. Danza, ride, brucia. La sua “Belle” non è una canzone, è una preghiera laica che il pubblico ha restituito a coro, come un rito.

Vittorio Matteucci è Frollo. L’ossessione vestita da tonaca. Nero, tormentato, divino. Nel suo “Tu m’hai guardata” c’è tutto il male che nasce dall’amore non corrisposto. Spaventa. Affascina.

Graziano Galatone è Febo: sole, spada e vigliaccheria. L’uomo che sceglie il comodo.
E Gian Marco Schiaretti, alternandosi a Matteo Setti, è Gringoire: il poeta, il nostro Virgilio. Ironico, stanco, innamorato del mondo. Con la sua voce ci guida tra le rovine dei sentimenti.

Intorno a loro, il coro sale come incenso. I ballerini scolpiscono l’aria. L’orchestra tuona. Le campane piovono. È teatro monumentale, irreplicabile. Genialità che non si copia: si subisce.

Una storia antica che ci guarda oggi
Perché Notre Dame ci folgora ancora? Perché parla di noi. Di un gobbo deriso perché diverso. Di una zingara amata e poi condannata. Di un uomo di Chiesa divorato dal desiderio. Di un popolo che ha paura e per questo odia.

Cambia Parigi, resta l’uomo. Ecco perché “Vivere”, “Devi amarmi”, “Il tempo delle campane” non invecchiano. Sono coltelli affilati. Sono carezze. Sono la domanda che ci facciamo ogni mattina allo specchio.

L’ultimo canto alla Reggia
Caserta ha risposto con il cuore pieno. Due sere di platea gremita. Due sere in cui la Reggia è tornata a essere quello che è: un palcoscenico per l’eterno. Stasera è l’addio con la terza replica. L’ultima volta che le note di Cocciante voleranno tra le colonne di Vanvitelli. Il pubblico uscirà con “Vivrà” nelle orecchie e la notte addosso.

Notre Dame de Paris non è uno spettacolo. È un affresco. È romantico e crudele, è teatrale e vero. È la prova che l’arte, quando è grande, non invecchia. Fa invecchiare meglio noi, con il pensiero ancorato sulla bellezza della sua poesia. E in un tempo che ha bisogno di pace e di amore, come ci ha ricordato Cocciante, forse è l’unica cattedrale in cui vale ancora la pena entrare.

Credits Photo: Arturo Favella

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Con il suo sorriso spontaneo, un look audace ma fresco e quella dolcezza che da sempre la contraddistingue, Arisa ha portato in scena il suo spettacolo “Magica Favola”, alternando i grandi successi della sua carriera ai brani del nuovo album “Foto Mosse”, progetto nel quale si racconta anche come cantautrice, confermando una maturità artistica sempre più evidente.

Fin dalle prime note è stato chiaro che il pubblico non avrebbe assistito soltanto a un live, ma a un autentico incontro fatto di musica, emozioni e condivisione. Arisa non si è limitata a interpretare le sue canzoni: ha dialogato con gli spettatori, ha sorriso, ha raccontato frammenti della sua vita e, soprattutto, ha aperto il palco ai più piccoli.

Uno dopo l’altro, tanti bambini sono saliti accanto a lei. Li ha accolti con naturalezza, li ha fatti cantare, li ha ascoltati e ha regalato a ciascuno un momento indimenticabile. Tra gli episodi più emozionanti della serata quello che ha visto protagonista la piccola Sofia, una bambina con sindrome di Down, presente con le cuffiette protettive per vivere il concerto. Arisa le si è avvicinata con infinita delicatezza, interpretando per lei “La meravigliosa favola” in un silenzio carico di emozione che ha commosso l’intero Belvedere.

Tra un brano e l’altro, l’artista ha condiviso anche riflessioni profonde. «Costruiamo ponti e non spacchiamo strade», ha detto rivolgendosi al pubblico, lanciando un messaggio di inclusione, dialogo e rispetto. E poi la frase che racchiude il senso più autentico della sua arte: «Se le nostre canzoni aprono un piccolo spazio nel cuore di un bambino, abbiamo vinto». Parole semplici, ma capaci di spiegare perché il suo rapporto con il pubblico sia così speciale.

Nel corso della sua carriera Arisa ha conquistato un posto di primo piano nella musica italiana grazie a una voce inconfondibile e a un percorso artistico costruito con talento, studio e autenticità. Dal successo di “Sincerità”, che nel 2009 la consacrò al Festival di Sanremo, fino alla vittoria del Festival nel 2014 con “Controvento”, ha regalato al pubblico brani diventati ormai parte della storia della musica italiana, come “La notte”, “Meraviglioso amore mio”, “L’amore è un’altra cosa” e “Guardando il cielo”. Canzoni che hanno saputo raccontare con delicatezza l’amore, le fragilità e la forza dei sentimenti.

Negli anni Arisa ha dimostrato di essere un’artista in continua evoluzione, capace di sperimentare, mettersi in discussione e reinventarsi senza mai perdere la propria identità. La sua voce, calda, limpida e tecnicamente impeccabile, attraversa con naturalezza registri diversi, passando dal sussurro alle interpretazioni più intense con una facilità che appartiene ai grandi interpreti. Ogni canzone diventa un racconto vissuto, ogni parola acquista verità grazie a una sensibilità interpretativa che pochi artisti riescono a trasmettere con la stessa intensità.

Ma ciò che rende Arisa davvero unica è la sua straordinaria umanità. Non esiste distanza tra lei e il suo pubblico. Sul palco si mostra senza maschere, accoglie le emozioni degli altri come fossero le proprie, ascolta, abbraccia e condivide. I bambini diventano protagonisti, le persone più fragili trovano spazio, ogni spettatore si sente parte di qualcosa che va oltre lo spettacolo. È una qualità rara, che nasce dalla capacità di restare autentica anche sotto i riflettori.

Al Belvedere di San Leucio tutto questo è apparso evidente. Non c’è stata soltanto un’esibizione musicale, ma un’esperienza collettiva fatta di sorrisi, commozione e partecipazione. La musica è diventata un linguaggio universale capace di unire generazioni diverse, abbattere barriere e regalare emozioni sincere.

Arisa ha confermato ancora una volta di essere una delle voci più raffinate e complete della musica italiana contemporanea. Un’artista che continua a emozionare grazie al suo straordinario talento vocale, ma soprattutto grazie a quella rara capacità di mettere il cuore davanti a ogni nota. E forse è proprio questo il segreto del suo successo: far sentire ogni persona accolta, ascoltata e parte della sua favola. Perché quando un concerto si trasforma in un abbraccio collettivo, la musica compie davvero la sua magia.

Foto di Arturo Favella

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Per il Campania Teatro Festival – Dopo Festival, gli Audio 2 hanno trasformato una serata d’estate in una lunga lettera d’amore. Due amici cresciuti insieme da ragazzini a Napoli, arrivati a scrivere pagine intere della nostra musica.

Dal 1993 a oggi: la storia di due autori
Gli Audio 2 esordiscono nel 1993, ma un anno prima il loro nome era già in rotazione: Mina lancia Sorelle Lumière e il singolo trainante è Neve, scritto da loro. L’anno dopo ancora Mina, esce con Sì che non sei tu e Raso in Lochness.

Le radio impazziscono. Nel 1994 gli Audio 2 vincono il Telegatto come “miglior gruppo rivelazione”. Continuano a scrivere per Mina: Rotola la vita e Non è niente. Nel 1995 firmano tre brani del nuovo disco della Tigre, tra cui Non c’è più audio, e vanno al Festivalbar con Alle venti. Determinante questa colonna sonora de I laureati di Leonardo Pieraccioni. Gli Audio 2 vengono consacrati nel panorama della musica italiana.

Nel 1997 arriva per loro, il Premio Rino Gaetano come migliori autori. Il momento più alto è il 1998: Mina Celentano. L’album più venduto in Italia. Dentro c’è Acqua e sale, firmata da loro. E ci sono Specchi riflessi e Io ho te.

Nel Giardino Romantico di Palazzo Reale ieri sera gli artisti hanno cantato tutto questo. Ci hanno ricordato perché tanti colleghi li hanno scelti come loro parolieri. Perché Mogol ha voluto lavorare con loro, ritenendoli veri eredi della canzone in tonalità “battistiana”, intonata con voce e chitarra, esaltando note che sul pentagramma sanno vibrare. Ed ancora perché artisti come Ivana Spagna, Peppino Di Capri, li hanno scelti per far respirare a piene note i loro album.
Il concerto al Campania Teatro Festival non è stata solo una occasione per ascoltare una carrellata di successi. È stata la fotografia di quanto gli Audio 2 abbiano segnato la musica italiana degli ultimi 30 anni. Donzelli e Leomporro non sono solo interpreti. Sono autori. Artigiani.
Hanno scritto canzoni che sono entrate nel dizionario sentimentale degli italiani: Acqua e sale è ancora oggi l’inno dei duetti impossibili. Sì che non sei tu, Alle venti hanno insegnato a una generazione a raccontarsi senza retorica.

Il merito degli Audio 2 è stato quello di tenere in piedi il valore della canzone d’autore pop in anni in cui tutto correva veloce. Melodie solide, testi puliti, zero effetti. Canzoni che resistono perché sono costruite bene, come case.
Gli Audio 2 hanno portato Napoli nel pop nazionale senza folklore. Hanno dimostrato che si può essere commerciali senza essere banali, romantici senza essere stucchevoli, artigiani senza snaturarsi.
Tornare a suonare nel Giardino Romantico di Palazzo Reale è stato riaprire un cerchio col pubblico partenopeo che ha voglia di cantare ad occhi chiusi e ad alta voce, canzoni che non sbiadiscono perché rette dal vento potente della parola che sa farsi vita tra sentimenti e poesia non convenzionale.

L'articolo Audio 2, al Giardino Romantico di Palazzo Reale i parolieri che hanno influenzato la musica italiana proviene da Parlami.

Lascia i figli Igor, avuto dalla prima moglie Roberta Stoppa, e Edoardo e Dario, nati dall’amore con Giuliana Gagliardi. I funerali si terranno domani pomeriggio nell’ex cattedrale di Santo Stefano, in Piazzetta a Capri.

Il romanticismo che ha messo in musica l’Italia
Con Peppino se ne va uno degli ultimi grandi interpreti del Novecento. Ma soprattutto se ne va il cantore del romanticismo italiano. La sua non è mai stata musica urlata. Era musica elegante, composta, che entrava piano. Un pianoforte raffinato, una voce che accarezzava e melodie che restavano.

Peppino ha unito Napoli al mondo: al twist, al jazz, al pop internazionale ha dato il profumo del mare, la malinconia partenopea e la luce della sua isola. Il risultato sono canzoni senza tempo. In Champagne, L’ultimo romantico, Un grande amore e niente più, Il sognatore, Amore grande amore ha raccontato l’amore con rispetto e poesia. Senza eccessi, con la classe di chi crede ancora nelle lettere, negli sguardi, nelle attese.

“Capri ha perso il suo sognatore”, diceva una sua canzone. E lui quel sognatore lo è stato davvero: ha trasformato un’isola in un sentimento e quel sentimento in musica.

Una casa aperta alla musica del mondo
Per decenni Villa Castiglione è stata un punto d’incontro. Da Andrea Bocelli ai Duran Duran, tanti grandi nomi passavano da lui sull’isola. Non per un featuring, ma per stare dentro a quell’atmosfera: musica vera, fatta di talento e cuore, senza trucchi.

60 anni di canzone italiana
Oltre sei decenni di carriera. Dagli anni del boom agli anni Duemila, Peppino è riuscito a parlare a tre generazioni diverse senza mai snaturarsi. Ha portato la canzone napoletana nel mondo, mantenendola intatta. Ci lascia un catalogo di emozioni. Ci lascia l’idea che si può essere popolari senza essere banali, moderni senza perdere la grazia. In un’epoca di suoni veloci, la sua musica resta: lenta, profonda, romantica. Come una serata a Capri. Come una dichiarazione detta a bassa voce.

L'articolo Addio a Peppino Di Capri, cantore romantico della vita in twist proviene da Parlami.

Per oltre due ore Napoli si è fermata ad ascoltare una delle sue voci più autentiche. Non c’era nostalgia, ma la consapevolezza che alcune canzoni continuano a vivere perché riescono ancora a parlare al presente.

Dal punto di vista musicale, De Crescenzo conferma una cifra stilistica ormai inconfondibile. La sua voce non interpreta semplicemente le melodie: le scolpisce. Il controllo del respiro, la naturalezza con cui allunga le frasi musicali e la cura delle dinamiche restituiscono una vocalità che guarda al linguaggio jazz senza mai perdere la propria identità partenopea. Ogni sfumatura sembra nascere da un ascolto profondo del silenzio prima ancora che della nota.

Anche la band segue questa filosofia. Gli arrangiamenti respirano, evitano ogni eccesso e accompagnano il racconto con eleganza. Le armonie, ricche ma mai invadenti, rinnovano il repertorio senza alterarne l’essenza, lasciando che siano le pause, i colori e gli equilibri sonori a guidare l’ascoltatore.

Quando arrivano le prime note di Ancora, l’intera Arena Flegrea sembra sospendere il tempo. Non è soltanto uno dei brani più amati del suo repertorio: è il momento in cui migliaia di persone ritrovano un frammento della propria storia personale. Le voci del pubblico si uniscono alla sua con discrezione, quasi con pudore, trasformando il concerto in un abbraccio collettivo.

La scaletta attraversa decenni di musica italiana senza perdere intensità: L’Odore del Mare, Il Racconto della Sera, C’è il Sole, Foglia di Thè, Dove, Sarà Così, Naviganti, La Vita è un’Altra, Il Treno, Cosa C’è di Vero, Dove C’è il Mare, Quando l’Amore se ne Va, Amico Che Voli, Ancora, Al Piano Bar di Susy, L’Infinità, Da Lontano, Camminando, Io Ce Credo, Sapessi Come, Vola, E la Musica Va, Il Gioco del Mondo, Occhi di Marzo e Mani. Più che una successione di brani, è un viaggio dentro una carriera che continua a parlare con sorprendente attualità.

L’Arena Flegrea diventa così una grande casa sotto le stelle. Il pubblico ascolta, canta, si commuove. Non c’è bisogno di effetti speciali quando ogni parola trova spazio nel cuore di chi ascolta.

Ma De Crescenzo non offre soltanto musica. Tra un brano e l’altro sceglie di condividere una riflessione sul presente, affrontando con lucidità il rapporto tra tecnologia, social network e cultura.

Con parole che raccolgono l’applauso convinto dell’Arena, osserva:

«Le conseguenze nefaste dell’eccesso dei social le vediamo ogni giorno, in ogni campo. Senza discernimento, senza filtri di valore, siamo giunti a pieno titolo nell’era dei cretini. È un’era dove i competenti tacciono per non offendere gli ignoranti. Dove i talenti non sono più una ricchezza per tutti perché disturbano i progetti di omologazione dei poteri economici. È un’era dove i cafoni ci sembrano persone autorevoli perché gridano più forte degli altri.»

È una riflessione severa, ma non priva di speranza. Poco dopo arriva infatti il pensiero che racchiude il senso della serata e che dà il titolo a questo concerto dell’anima:

«Il talento resta il punto di partenza. Ma oggi arriva la tecnologia, e tocca a noi usarla senza farci usare. La voce, l’emozione, il contatto vero non li sostituisce nessun algoritmo. La sfida è farli arrivare più lontano, non farli sparire.»

Parole che suonano come una dichiarazione d’amore verso la musica vissuta come incontro umano prima ancora che spettacolo.

E prima dei saluti lascia anche una riflessione sul futuro:

«Per assurdo penso che finirà bene, anche se ci vorrà ancora del tempo. Non perché tutti capiranno cosa è giusto, ma perché alla lunga tutti capiranno cosa conviene. Non è il principio più nobile, ma può essere un buon punto da cui ripartire.»

È forse proprio questa la forza di Eduardo De Crescenzo: non rincorrere il tempo, ma attraversarlo con la stessa autenticità di sempre. Le sue canzoni cambiano insieme a chi le ascolta, perché ogni interpretazione porta con sé un respiro diverso, una stagione diversa, una vita diversa.

Il concerto del 30 giugno non è stato soltanto una tappa estiva. È stato un incontro con una musica che continua a custodire emozioni vere e che trova nella voce del suo interprete un equilibrio raro tra tecnica, eleganza e sentimento.

Prima di lasciare il palco, De Crescenzo ha dato appuntamento al suo pubblico il prossimo 19 settembre, nello stesso luogo. Perché, come canta da sempre, la musica va. E ogni volta che torna, riesce ancora a ricordarci chi siamo.

L'articolo Eduardo De Crescenzo incanta l’Arena Flegrea con un concerto che diventa dichiarazione d’amore alla musica proviene da Parlami.

Una voce leggendaria, un palco di pietra, migliaia di vite riaccese all’Arena Flegrea di Napoli che ospita la regina della disco Music in una serata evento con l’Orchestra del Teatro San Carlo di Napoli, diretta dal Maestro Maurizio Agostini.

L’ Arena partenopea ieri sera non era più pietra. È diventata vita e poi ancora danza.
Una discoteca a cielo aperto dove il tempo si è sciolto. Bambini addormentati sulle spalle, mani rugose che battevano il ritmo, occhi giovani che scoprivano un miracolo. Ogni età era lì. Tutti sospesi sotto le stelle, per una Legendary Night che Napoli non dimenticherà.

Gloria è salita sul palco accompagnata dalla grandezza di un’Orchestra a cui va dato il merito di aver puntellato una serata indimenticabile grazie alla musica.
Nessun fuoco d’artificio al suo ingresso. Solo un passo, un respiro, un microfono.
E il tempo ha smesso di contare gli anni. Nonostante la fatica dell’età, lo smalto non le si è opacizzato. Ha solo imparato a brillare di luce più vera. Leggendaria, appunto.

La voce che rompe la monotonia
Gloria dimostra ancora una volta di non essere semplice magnificenza da copertina. L’artista, vincitrice del Grammy Award, è magnificenza impastata di voce e ritmo che sa rompere la monotonia dandoti la svolta. È la crepa da cui entra la luce. È la donna che ti prende per mano quando sei al buio e ti dice, senza parlare: “Alzati. Io l’ho fatto”.

La sua voce ha cambiato la sostanza delle cose. Ha preso la musica da ballo e l’ha fatta sangue. Ha preso il beat e l’ha reso battito. Ha preso la disco di glitter e stroboscopi e l’ha resa carne, ossa, storia, cambiandola completamente. Ha cantato le cadute, le ginocchia sbucciate, i ritorni. E Napoli ha capito. L’Arena Flegrea le ha restituito tutto, e di più. Un’ovazione leggendaria, intrecciata all’eccellente respiro dell’Orchestra del Teatro di San Carlo. Quando gli archi hanno avvolto Survive, la hit è diventata preghiera. L’Arena, pista da ballo, altare.

Scaletta – 14 battiti di una notte leggendaria

1. Goin out of my head – F – Si entra piano, come si entra in una confessione.
2. Unstoppable – F/Dm – “I’m unstoppable”. Prima promessa di una notte che non si ferma.
3. Never can say goodbye – A – Il saluto che non è mai stato un addio.
4. My First my last – F – Ballad che sa di pelle e di memoria.
5. Talkin bout Jesus – E – Qui la musica si fa fede, senza paura.
6. Who Am I – C – Domanda sussurrata all’universo. “Who am I?”
7. Killing me – Em – Blues notturno. La sala trattiene il fiato.
8. When I See You – E – Ritorna l’alba. Dolce, fragile.
9. After the Lovin – Ab – Soul che sa di notti lunghe e bicchieri vuoti.
10. Like I’m Gonna Lose You – A – Duetto con la paura di tutti noi.
11. Amazing Grace – E – L’Arena diventa chiesa. Solo voce, solo grazia.
12. Donna Summer – D – Omaggio alla sorella regina. Napoli balla e piange insieme.
13. Survive – Am – Il miracolo della Legendary Night. “At first I was afraid…”
Poi il silenzio si è rotto. Migliaia di voci, una sola ferita. Una sola forza.
“I will survive / Hey, hey”. Non era più una canzone. Era un giuramento collettivo.
14. ENCORE – Can’t take my eyes off you – Bis d’amore. Occhi negli occhi.
“You’re just too good to be true”. Come a dire: grazie per aver reso leggendaria questa notte.

La consacrazione
Quando la regina della Disco Music ha attaccato I Will Survive il tempo si è fermato. Migliaia di persone, tutte diverse, hanno cantato la stessa storia. La sua. La nostra.

“I’m not that chained-up little person still in love with you”. I celebri versi della sua canzone parlano di catene che cadono. Un suono metallico che solo l’anima sente.

“Go on now, go, walk out the door / Just turn around now, ‘cause you’re not welcome anymore”, sono parole che non esprimono rabbia. Diventano soglia. Sono il passo esatto in cui lasci la stanza buia e scegli il sole.

Gloria, in questo, è diventata esempio con la sua stessa vita. In passato è uscita dal palco. È stata dimenticata. Data per spenta. Poi è tornata. Ha vinto un Grammy a 70 anni cantando Dio. Perché la sua voce non invecchia. Matura. Come il vino buono, come le leggende che non muoiono.
Nella Legendary Night all’Arena Flegrea si è capito che SURVIVE non è un titolo. È un verbo. È un destino. E la magnificenza non è la perfezione. È la cicatrice mostrata come corona.

Gloria non ha fatto solo musica. Ha acceso vite.
E ogni volta che qualcuno, da qualche parte nel mondo, mette I Will Survive a volume alto, questa donna immensa torna a consacrare un altro pezzo di umanità.

L’artista è uscita dal palco come era entrata: con leggero passo regale, senza eccessi. Solo verità leggendaria. E ha lasciato il pubblico più leggero. Con la certezza sussurrata nel petto: se lei ha attraversato la notte, allora anche tu puoi farlo.

Foto di Arturo Favella

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Dietro il progetto c’è la visione manageriale di Eugenio D’Angelo. La sua idea è chiara: il Palarté non è solo ristorazione, eventi, suite e musica dal vivo. È un luogo d’incontro, di aggregazione, soprattutto per i giovani. Uno spazio sicuro, connesso con la bellezza del territorio acerrano, aperto ai talenti campani, alle mostre e all’attenzione verso le donne. I numeri lo dicono: il pubblico del Palarté è soprattutto femminile e giovanile, perché il locale è percepito come affidabile.

“Pulcinella è il nostro accento più alto”, spiega D’Angelo, partendo dalla figura simbolo legata ad Acerra per costruire un polo culturale dove le persone “perbene vogliono stare bene”. Tali conferme lo hanno portato ancora una volta ad alzare l’asticella del suo concept, inaugurando lo scorso 9 giugno, la maschera monumentale di Pulcinella in marmo bianco di Carrara, più grande al mondo, firmata dall’artista francese Oymak, in sinergia di intenti con il Museo di Pulcinella della città.

Si tratta di un progetto ambizioso, che crea continuità con il percorso artistico già avviato all’interno del concept ristorativo del Palarté, dove le persone si riuniscono intorno al buon cibo, circondate da un’arena realizzata in legno e pietra, in cui ci si può accomodare per godersi la musica live proposta di volta in volta dalle serate organizzate, senza trascurare i riferimenti artistici delle opere espositive ospitate nella grande struttura, come ci racconta in questa intervista Eugenio D’Angelo, ideatore e manager del Palarté.

L’ INTERVISTA

– Da giovane laureato a manager di successo. Eugenio, quando hai scoperto che il Palartè poteva essere l’investimento della tua vita?

L’ho scoperto nel momento in cui abbiamo aperto. Ho capito che il Palarté poteva essere non soltanto un mezzo per guadagnare, ma un mezzo con il quale era possibile cambiare anche in piccolo, la sorte del nostro territorio, per dare ai ragazzi qualcosa di cui essere fieri. Ho scelto il percorso di studi di Direzione e Consulenza aziendale alla Cattolica, che mi ha aiutato a formare le conoscenze di base nel mondo imprenditoriale così che poi “affinassi le armi” per poter “combattere” e portare il Palarté nella sua visione attuale che ingloba accoglienza, ristorazione, eventi aggregativi di musica ed arte.

– Tu sei acerrano. Qual è l’accento più bello della tua città

Penso che noi abbiamo alcune delle cose più belle che ho visto all’interno di tanti territori. Ho girato tanto anche il mondo e ancora oggi mi chiedo come sia possibile che Acerra che veramente ha delle cose stupende tra il castello, la parte museale, la parte archeologica ad ingresso peraltro gratuito, Casina Spinelli, le sorgenti, pur essendo un museo a cielo aperto, non venga considerata per il valore che in effetti ha. Acerra contiene delle cose meravigliose e penso l’accento più elevato ricada proprio su Pulcinella, figura mondiale, riconosciuta da tutti. Noi abbiamo la fortuna di essere legati profondamente alla storia di Pulcinella. Per questo ho scelto di creare una sinergia con Il Museo di Pulcinella della mia città, creando con esso un continuo espositivo.

–Il Pala Artè è diventato un punto di riferimento per la movida dell’area nord di Napoli ma ingloba oltre alla qualità della ristorazione, dell’incontro, esposizioni artistiche, musica dal vivo con promozione di talenti campani, anche un’attenzione particolare rivolta alle donne, con l’ascolto delle loro esigenze. Quando hai pensato a tutto questo e come cerchi di armonizzarlo giorno per giorno?

Parto da un dato molto importante. Anche attraverso i dati di Google che abbiamo raccolto nel tempo, abbiamo notato una cosa: il Palarté è frequentatissimo soprattutto da giovani e donne, il che mi rende fiero. Siamo quindi percepiti positivamente, non solo come luogo bello, affidabile, ma soprattutto come un luogo in cui sentirsi al sicuro. Il merito è della cura degli ambienti e di una serie di fattori che si sono attualizzati, pensati perchè tutti si sentano a casa, ascoltati, accolti. Nel tempo il Pala Arte è diventato un luogo d’incontro di persone perbene che vogliono stare bene.

– Hai realizzato un modello di accoglienza che dimostra come cultura, sicurezza e gestione attenta possano trasformare un territorio. E Acerra, con il Palarté, ha trovato la sua voce. Quando ti sei innamorato dell’Arte, perrchè non si può promuovere l’Arte se non la si ama?

Il primo corridoio inaugurato all’interno de Il Ritorno ha lo zampino di Vincenzo Pagliara, un professionista nel suo ambito, che mi ha aiutato ad allestire la prima esposizione qui al Palarté. Penso che per amare l’arte ci sia bisogno di tanta sensibilità. Sono un ragazzo sensibile e questo amore è stato instillato da un mio professore di Arte al liceo. Il Prof. Rino De Sena, che saluto con affetto e viene qui spesso. Era molto esigente sia dal punto di vista pratico che teorico, e mi ha insegnato come l’arte si sviluppa in concomitanza con ciò che accade nel mondo. Se tu sai vedere l’arte, sai vedere ciò che accade nel mondo. Noi qui con le mostre allestite, con il murales omaggio alla città di Acerra, realizzato con il Progetto Atelier dell’Arte e con la maschera di Pulcinella più grande al mondo da noi ospitata, stiamo creando un ponte tra la nuova generazione e l’arte.

– Al Palartè ora c’è un guinness dei primati. Cosa dice a te la Maschera di Pulcinella, per averla così tanto voluta nella tua struttura?

Pulcinella a noi acerrani, napoletani, scorre nelle vene. E’ una figura ribelle, indomita, che nonostante le angherie e le difficoltà, riesce sempre a trovare la forza di alzarsi e di reinventarsi. E non è cosa da poco. Penso di rivederlo in tutte le persone di Acerra e dei territori napoletani in cui viviamo. Nonostante il mix di difficoltà tutte queste persone ogni giorno si svegliano e vanno al lavoro, decidendo di combattere la routine giornaliera.

– Come si è formata l’intuizione di portare ad Acerra la machera più grande al mondo?

L’intuizione c’è stata quando con la collaborazione di mio padre Fortunato D’Angelo e del Museo di Pulcinella, si è creata questa intesa, questa voglia di riscatto nel portare in città qualcosa di impensabile. Nessuno pensa che un’attività privata vada, in collaborazione con un museo, a fare un’operazione meravigliosa per tutto il pubblico e a costo zero. L’abbiamo messa a disposizione di tutti perchè penso concretamente che l’arte è necessaria affinchè le persone crescano e lo facciano amando il proprio territorio. Oggi abbiamo dato la possibilità ai ragazzi del domani di venire qui, toccare quest’opera con mano, e vedere realmente quali sono le loro origini. Magari abbiamo gettato il seme per una consapevolezza futura.

–Qual è il tuo sogno da giovane per i giovani?

Spero vivamente che con questa attività e con quelle future che faremo, si riesca a cambiare la mentalità che il bello si trova solo altrove, che l’erba del vicino è sempre più verde. Penso che se ci rimbocchiamo le maniche, senza fuggire davanti ai problemi, ma affrontandoli, innaffiando costantemente la propria erba, anche il nostro giardino può diventare più verde.

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